Pak Sangah
About
Pak Sangah continues her practice of constructing invisible vitality and imaginary worlds through ceramics. Her interest originates from the microscopic life forms of reality—moss, mold, trees, flowers—and expands into fictional plant forms that exist sculpturally yet not in reality. This exploration transcends mere imitation of nature, becoming a narrative experiment that reveals the relationship between humans and nature, the boundaries between reality and imagination, and the interaction between the individual and the collective.
Her research is grounded in the concept of ‘hybrid aesthetics’. The organic curves of Art Nouveau, the geometric order of Art Deco, and the symbolic order of Korean and Asian traditional patterns possess distinct cultural rhythms. Park Sang-ah reinterprets these not as conflicting elements but through a language of coexistence and equilibrium. For her, decoration transcends superficial ornamentation; it is an ethical device for perceiving the world and expressing attitude.
Doors and windows appearing in her work are significant motifs. They symbolize boundaries and passageways, representing points where cultures, times, emotions, and reason intersect. The diverse decorative languages experienced in France, Belgium, Korea, and Taiwan are visualized through doors and windows, becoming sculptural records imbued with each society's worldview and value system.
Park Sang-ah's work proposes a utopia of balance where curves and straight lines, freedom and discipline, emotion and reason coexist. This is not an illusion of harmony striving for perfection, but a sculptural practice where different worlds coexist and create new meaning. Her ceramic work thus rethinks the concept of decoration in contemporary craft and explores new aesthetic possibilities emerging at the boundaries between cultures.
박상아는 도자를 통해 보이지 않는 생명력과 상상의 세계를 구축하는 작업을 이어오고 있다. 그의 관심은 현실의 미시적 생명 이끼, 곰팡이, 나무, 꽃 이란 자연물에서 출발하여, 실재하지 않지만 조형적으로 존재하는 허구적 식물성으로 확장된다. 이러한 탐구는 단순한 자연 모사의 차원을 넘어, 인간과 자연의 관계, 현실과 상상의 경계, 개별과 집합의 상호작용을 드러내는 하나의 서사적 실험이다.
그의 연구는 '혼종적 미학(hybrid aesthetics)' 이라는 개념 위에 놓여 있다. 아르누보의 유기적 곡선과 아르데코의 기하학적 질서, 한국과 아시아 전통 문양의 상징적 질서는 서로 다른 문화적 리듬을 지니지만, 박상아는 이들을 충돌이 아닌 공존과 균형의 언어로 재해석한다. 장식은 그에게 표면적 장식성을 넘어선, 세계를 인식하고 태도를 드러내는 윤리적 장치다.
작품 속에서 등장하는 문과 창은 중요한 모티프다. 그것은 경계이자 통로로서, 문화와 문화, 시간과 시간, 감성과 이성이 교차하는 지점을 상징한다. 프랑스, 벨기에, 한국, 대만에서 경험한 서로 다른 장식 언어들은 문과 창을 통해 시각화되며, 이는 각 사회의 세계관과 가치체계가 담긴 조형적 기록이 된다.
박상아의 작업은 곡선과 직선, 자유와 규율, 감성과 이성이 공존하는 균형의 유토피아를 제안한다. 이는 완벽을 향한 조화의 환상이 아니라, 서로 다른 세계가 공존하며 새로운 의미를 창출하는 조형적 실천이다. 그의 도자 작업은 이렇게 현대 공예의 장식 개념을 재사유하고, 문화 간 경계에서 발생하는 새로운 미학적 가능성을 탐구한다.
